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Últimamente he tenido la posibilidad de publicar en dos revistas digitales de moda: InFashion en su número de Octubre, y Petit Comite Bcn en su número de Diciembre. Curiosamente, las sesiones que han originado estos reportajes no se sucedieron en orden cronológico: La sesión publicada en Octubre se realizó en Septiembre, mientras que la publicada ahora en Diciembre, data de Agosto ni más ni menos. Gajes del oficio, o cómo buscar alguna plataforma para los que queremos ofrecer propuestas nuevas es cada vez más complicado.
In Fashion #11 – Galactick 
En ambas sesiones conté con la dirección creativa de Lidia Esteban, modelo reconvertida a maquilladora/peluquera, trabajando sobre una idea futurista. Montamos una escenografía (algo inédito en mi trabajo de estudio), y con la imprescindible y magnífica colaboración de Panambí como estilista, vestimos a las modelos Zaira Pablos y Sara Gómez con diseños de Kralova Design y Miss Self Destructive, incluso pudimos contar con tres gatos de raza Sphynx para la ocasión. Como ya hiciera yo con él en anteriores ocasiones, Magán tuvo a bien echarme una mano y documentar el día de trabajo. Al tener tantos elementos, la iluminación que trabajé quedó en un segundo, y casi diría tercer, plano con respecto al maquillaje, estilismo, escenografía, atrezzo… ¡demasiadas cosas para complicarlo aún más con iluminaciones raras!
Os dejo también el vídeo que monté con el “detrás de las cámaras”:
In Fashion #11 – Across The Studio 
Adicionalmente, el modelo y maquillador Darío González propuso a la revista este reportaje, realizado en Abril de 2010. Por suerte, les pareció bien incluirlo y en el mismo número en el que realizaba la portada pude contar con dos editoriales bastante diferentes, ya que aquí sí que pude explayarme con iluminaciones diferentes, que es una de mis diversiones favoritas en estudio. Es curioso, en la misma revista puedes encontrar un reportaje mío con 8 personas y 3 gatos involucrados, y a la vez otro reportaje donde sólo eramos dos… la cara y la cruz de mi trabajo.
Petit Comite Bcn #5 - Recyclable Degradable Fashionable 
Este reportaje es el fruto de una semana intensa de trabajo, de nuevo con Lidia Esteban al mando creativo. Los cuatro fantásticos modelos, que participaron y dieron el callo como los que más: David González, Alba Soriano, Ana Mª Plescán y Triny Kamara, hicieron un trabajo duro, y estuvieron al pie del cañón.
Días antes de las sesiones estuvimos haciendo pruebas con los modelos, con Lidia confeccionando los trajes a partir de bolsas de basura de diferentes tamaños y colores sobre los propios modelos. Posteriormente, en dos sesiones de 12 horas cada una, realizamos las fotografías tanto en estudio, como en las cercanías del local. Las tomas de exteriores al final conformaron el reportaje, pero sacamos mucho más material. Al terminar la sesión, todos los vestidos y trajes fueron destruidos (por supuesto, en el contenedor amarillo). Tras varios encontronazos y silencios por parte de varias revistas, logramos encontrar un hueco en Petit Comite Bcn, y les agradezco la iniciativa.
De esta editorial os dejo también los descartes que sacamos:
Lo que todo aspirante a fotógrafo debería saber
Al decidir que quería dedicarme a la fotografía, sentí una mariposilla de esas que te revolotea el estómago. Es fácil decir que haces fotos, y que las haces bien incluso, pero tomar la decisión y aceptar las implicaciones que conlleva enfocar tu carrera hacia tu pasión es un camino que se ve muy feliz, pero que está lleno de piedras. Y muchas de ellas nos las ponemos nosotros mismos, preocupándonos de cosas banales como si “seré suficientemente bueno”, “dejaré de apasionarme con la fotografía” o “habrá un hueco para mí”. Preguntas que aunque no dejaremos de hacérnoslas nunca, son más perjudiciales que beneficiosas, ya que nos bloquean en lugar de motivarnos en nuestro recién iniciado trayecto.
Hace un tiempo encontré una entrada en el blog de Cheryl Jacobs con “Lo que todo aspirante a fotógrafo debería saber”, que vienen a ser una serie de consejos para fotógrafos que empiezan a dedicarse por completo a su pasión. Este oficio es absolutamente vocacional, y esa ilusión que tuvimos en nuestras primeras tomas de contacto con la fotografía son el germen que nos llevará a una vida plena dedicada a nuestra pasión. No deberíamos dejar que los inconvenientes, las distracciones o los rodeos nos hagan caer en el estress o la frustración.
Os dejo a continuación una traducción aproximada del artículo, y por supuesto si tenéis algún otro consejo o queréis abrir debate sobre algún punto en concreto, vuestro es el panel de comentarios:
- El estilo es una voz, no un aparato ni una acción. Si puedes comprarlo, copiarlo, o descargarlo, no es un estilo. No busques tu estilo fuera; buscalo dentro.
- Conoce tu equipo. La suerte está bien, pero es algo en lo que no deberías confiar. Es como el dinero, sólo lo tienes cuando no lo necesitas.
- Nunca te disculpes por tu propio concepto de la belleza. Nadie puede decirte lo que deberías amar. Haz lo que haces sincera y abiertamente, no puedes construir tu sentido de la estética bajo consenso.
- Di no. Dilo a menudo. Puede ser difícil, pero te lo debes a tí mismo y a tus clientes. Rechaza trabajos que se ajusten a tí, y evita sobrecargarte. CUando estás estresado y agotado, no eres útil para nadie.
- Aprende a decir “Soy fotógrafo” a la cara y bien alto. Si no puedes decirlo y creer en ello, no esperes que nadie lo haga.
- No puedes especializarte en todo.
- No tienes que dedicarte profesionalmente sólo porque la gente te diga que deberías hacerlo! Tampoco tienes que dedicarle todo tu tiempo y tu dinero para tener éxito. Si decides ser profesional, fija tus límites antes de empezar.
- Conoce tu estilo antes de aceptar trabajos. Si no lo haces tí, lo harán tus clientes, y eso te convertirá en un mero “tomador de imágenes”. Cambiar tu estilo te obligará a empezar de nuevo, y eso es duro.
- Acepta las críticas, pero no las sigas ciegamente. Las críticas son opiniones, pero las cosas no son así porque alguien lo diga. Evalúa el consejo, al consejero, tu propio estilo y qué es lo que le conviene a tu trabajo, y aplica sólo lo que tenga sentido aplicar. Esto no te hace desagradecido, te hace independiente.
- Recuerda que si tu trabajo se parece al de otro, no hay ninguna razón para que un cliente decida contratar a ese otro. A menos que seas más barato. Y nadie quiere ser conocido como “ése fotografo barato”.
- Es más fácil enfocarse en comprar nuevo y mejor equipo que aceptar que podrías hacer mejores fotos con el que ya tienes. Comprar sin sentido es una distracción muy cara. Sólo necesitas una cámara decente y un objetivo decente. Gástate ese dinero sólo cuando hayas superado tu actual equipo y estés siendo limitado por él. No existen las balas mágicas.
- La fotografía de personas trata sobre las personas, no sobre la fotografía. Los grandes retratos son un efecto secundario de fuertes conexiones humanas.
- No olvides por qué empezaste a hacer fotografías. Una excelente técnica es una gran herramienta, pero un pobre producto final. Lo mejor que puede hacer tu técnica por tí es no llamar la atención. Nunca dejes que tu técnica esté por encima de lo que estés fotografiando.
- Nunca compares tu trayectoria con la de los demás. Esto es una maratón sin línea de llegada. Alguien podría empezar más rápido que tú, progresar antes que tú, pero cada corredor tiene su propio ritmo. Tu camino es tu camino, no una competición. Y nunca llegarás a la meta. Nadie lo hace.
- Acepta la frustración. Ello te empuja a aprender y a crecer, a ampliar tus horizontes, y a encender una llama cuando tu trabajo se ha enfriado. Nada es más peligroso para un artista que la complacencia.
Vía Photodino
Presets de Lightroom
Una de las grandes innovaciones que aportó Lightroom han sido los presets, archivos que almacenan en su interior unos parámetros concretos de procesado de archivos RAW o DNG. Lo que se consigue con estos archivos es, explicado de una forma muy básica, poder lograr siempre un mismo efecto o acabado al aplicarlo sobre varias fotografías.
Evidentemente, no es lo mismo un paisaje tomado en un amanecer, que un retrato en clave baja o una sesión de moda, del mismo modo que hay diferentes formas de procesar una imagen, los presets de Lightroom nos permiten tener una serie de procesados predefinidos, según los cuales podemos dar a nuestras fotos una misma estética o ambientación. Recientemente, en su versión 3, Lightroom ha incluido una batería totalmente renovada y ampliada de presets para casi cualquier situación y acabado, tanto en color como en blanco y negro.
La foto original, y tras aplicarle un preset
Y como podéis imaginar, esta funcionalidad de Lightroom, unida a una gran comunidad de usuarios, ha desembocado en un aluvión de presets, disponibles en multitud de páginas web, para facilitarnos un poco la vida, conocer mejor la forma de trabajar de quien nos guste, o simplemente ir explorando con diferentes acabados de nuestras fotos. Otra opción muy interesante es la crear tus propios presets, bien a partir de uno ya aplicado, o desde tus propias configuraciónes en Lightroom.
Aquí os dejo algunos enlaces, pero vía Google encontraréis muchísimos más:
Lightroom Killer Tips | PresetsHeaven | DigitalPixels | ProphotoShow
Yo, personalmente, utilizaba más los presets al principio, cuando conocí su existencia, y experimenté bastante con ellos… actualmente los tengo bastante abandonados, tan sólo uso algunos que tengo ya configurados a mi medida para ciertos acabados que suelo utilizar muy a menudo, como forma de acelerar el procesado, y revisando siempre el resultado final. Trabajar con presets es realmente cómodo, pero utilizando presets descargados sin más corremos el riesgo de hacer fotos ‘impersonales’, perdiendo así nuestra forma de ver el mundo, nuestra visión.
Creative Lighting System: El sistema de Nikon para el control inalámbrico de flashes
Cuando de iluminación en exteriores se trata, existen varias alternativas si queremos usar más recursos que la luz del sol (una opción, por otro lado, muy válida y que nos puede dar grandes resultados) o utilizar flashes electrónicos de estudio (una alternativa que puede ser costosa, y en cualquier caso bastante aparatosa). Una opción que cada vez escogen más fotógrafos es el uso de flashes de mano desde fuera de la zapata, sincronizándolos de forma inalámbrica con varios métodos. En caso de que tu equipo se componga de una cámara Nikon “relativamente reciente” (hablaríamos de modelos a partir de la D80) y un flash Nikon (SB-600, SB-800 ó SB-900), tienes la solución perfecta: El Creative Lighting System (o CLS).
Este sistema soluciona varios de los problemas que nos encontramos al elegir soluciones más en la línea strobist, con flashes de mano, disparadores y receptores, y configuración manual de todo el equipo. Al usar el sistema CLS, todo el control de cada uno de los flashes involucrados en la toma de la fotografía se realiza desde la propia cámara, sin cables ni ajuste de flashes uno a uno. Pasemos un poco a desglosar cómo funciona este sistema.
Si alguno conoce el sistema strobist, verá indudables semejanzas con ese sistema que os comento, pues ambos se basan en la iluminación con flashes de mano separados de la cámara. Este sistema presenta varios inconvenientes:
- la forma de sincronizarlos por un lado (desde sistemas relativamente inestables por un lado, como los disparadores tipo Cactus, hasta sistemas como Pocket Wizard, excesivamente caros para ciertos bolsillos)
- la manera de ajustar la potencia de cada flash. Al ser flashes manuales, necesitas ajustar los flashes uno a uno, mediante el método “prueba-error”. Al ganar experiencia sabrás cómo dispara tu flash, pero en cualquier caso es un método lento y ligeramente impredecible.
Con el CLS propuesto por Nikon, el propio flash integrado de la cámara es el que manda a cada grupo de flashes (se pueden configurar varios flashes en hasta tres grupos distintos) la potencia a la que queremos que disparen, sin necesidad de ningún disparador adicional. La mayor ventaja que presenta es la posibilidad de disponer de automatismos, incluido TTL ,por lo que podremos equilibrar los flashes con la luz natural directamente y sin necesidad de realizar mediciones individuales. Es una especie de “strobist hipervitaminado”. Por supuesto, es necesario que el equipo sea íntegramente Nikon, y los flashes tampoco son precisamente baratos, pero en comparación con un sistema de flashes manuales, disparadores, y no digamos si queremos obtener un equipo con medición TTL externa, es una solución mucho más cómoda, y en algunos casos hasta más económica.
Esquemas de iluminación bizarros
Como algunos sabréis (y si no, os lo cuento), a menudo alquilamos nuestro estudio para sesiones fotográficas. La gente que suele venir son, o bien fotógrafos que están iniciándose en la fotografía de estudio, o fotógrafos que, aunque experimentados, no disponen de un estudio propio. Jose Manuel Mendez Magán (maganj3m) es de estos últimos. Magán es asiduo al estudio, y un fotógrafo bastante peculiar, con un trabajo original, y sobre todo distinto. Normalmente viene con ideas para montar iluminaciones bastante originales, de lo que surgió el término “sesiones bizarras”. Luces de colores, spots muy cerrados, en fin, casi de todo.
Toda esta introducción viene a cuento de lo que ocurrió ayer, cuando vino de nuevo a hacer una sesión con Patricia (un encanto de chica) y quiso quemar el fondo para obtener un blanco puro. Pero quería que además, el blanco de la pared “rebotara” e invadiera en parte a la modelo. Esto es fácil de conseguir si la potencia es alta. Y la mejor forma de meter más potencia a los flashes y expandir la luz es.. .quitar directamente la parábola del flash. Dicho y hecho, quitamos la parábola, máxima potencia, y la luz se desparramó justo como queríamos.
Pero luego se me encendió la bombilla, y le planteé una iluminación un poco más arriesgada… y si hiciéramos eso mismo, pero con los 5 flashes de que disponemos en estudio? Tendríamos muchísima más potencia, tanta, que tendríamos luz suficiente para iluminar hasta la otra punta del plató, justo donde tenemos el fondo de papel negro… y la luz, al venir tan rebotada, sería totalmente difusa… sería como tener una ventana de 3 x 3 metros!!
foto de maganj3m
Dicho y hecho, pusimos los flashes, los “descabezamos” dirigiéndolos hacia la pared, y pusimos a Patricia en el otro extremo. Medimos… y teníamos f/8 de potencia. Eso sí, totalmente difusa. Una ventana de 3 metros cuadrados, incluso poniéndonos delante para tomar la foto, nuestra sombra no tapa a la modelo (aunque se refleje en las gafas):
foto de maganj3m
Y como es algo tan inusual y tan “bizarro”, pues saqué la cámara y grabé este mini vídeo, para documentar el resultado. Ya estamos pensando en aplicaciones prácticas para este esquema… dentro de poco yo mismo probaré alguna cosa en esta línea. Os dejo con el vídeo, perdonad mi terrible inglés al final!
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